Legacy Of Silence – Our Forests Sing

Legacy Of Silence – Our Forests Sing

2019 – full-length – Volcano Records

VOTO: 7 – recensore: Mr. Folk

Formazione: Mark Greyowl: voce – Simon Badgerwrath: chitarra – John Eldeer: chitarra – Berthus Winterwolv: basso – Alberth Boargrunt: batteria – Lucas Nighthawk: flauto

Tracklist: 1. Witchwood – 2. Bloodhunt – 3. Misfortune – 4. Torment – 5. Heresy – 6. Inquisition – 7. J.A.W.S. – 8. Nightfall – 9. Rebirth

Attivi dal 2014, i Legacy Of Silence arrivano ora al debutto su lunga distanza dopo aver pubblicato due anni fa un EP contenente quattro brani, tre dei quali trovano spazio anche in questo Our Forests Sing, cd licenziato dall’etichetta italiana Volcano Records. La band piemontese propone un folk metal dalle tinte estreme, caratterizzato dal graffiante growl del cantante Mark Greyowl, dalle chitarre vicine al death metal melodico (e in alcuni frangenti al deathcore) e dalle parti folk vicine per stile agli Eluveitie. Il risultato è un mix ben bilanciato tra stili e influenze che creano un sound abbastanza personale pur rimanendo all’interno dei confini tipici del folk metal attuale. Il disco si presenta bene dal punto di vista estetico: la grafica del digipak è curata nei minimi dettagli, il booklet di sedici pagine è ricco di immagini legate ai testi, le informazioni tecniche e due foto del gruppo. Anche la produzione si fa valere, con suoni puliti e potenti, gli strumenti ben livellati in fase di missaggio e la piacevole sensazione durante l’ascolto che il lavoro di produzione sia stato fatto con attenzione e bravura.

Our Forests Sing è un album composto da nove tracce per un totale di quarantaquattro minuti: niente intro, outro e intermezzi, ma nove canzoni che vanno dritte al punto, tra momenti più aggressivi ed altri maggiormente melodici, comunque sempre equilibrati tra di loro. L’iniziale Witchwood è il classico biglietto da visita: il sound dei Legacy Of Silence è ben rappresentato negli oltre cinque minuti della canzone ed è possibile ascoltare in un unico brano l’intera gamma di possibilità che la band ha a propria disposizione. Le tracce di Our Forests Sing, pur facenti parte di un sound piuttosto ristretto, sono mediamente varie: Inquisition, ad esempio, a dispetto della tematica trattata, è il brano più “allegro” del lotto, che a sua volta differisce da J.A.W.S. che vede il flauto di Lucas Nighthawk protagonista dell’intera composizione. Torment è chitarristicamente parlando la canzone più pesante, mentre Misfortune gode di un’ottima parte di flauto che la rende orecchiabile fin dai primi ascolti. Infine è da citare Rebirth, ultimo brano del disco che vede anche la presenza dell’ospite Vittoria Nagni, violinista ex Blodiga Skald, che con gli inserti del suo strumento riesce a dare quel qualcosa in più a un pezzo che già in partenza suona convincente e di buona fattura. Durante l’ascolto di Our Forests Sing s’incontrano anche delle cose che andrebbero migliorate o rielaborate (i primi istanti di Nightfall e Inquisition sono piuttosto simili, per portare un esempio), ma tolta qualche spigolosità l’ascolto scorre piacevole.

La sensazione che si avverte è che i Legacy Of Silence siano all’inizio del percorso musicale e che con il giusto lavoro il prossimo disco possa riservare delle gustose sorprese. Our Forests Sing è un buon debutto consigliato a tutti gli appassionati di folk metal estremo, un cd che apre le porte della scena italiana a una nuova promettente band: benvenuti nella tribù!

Intervista: Atlas Pain

Secondo disco e secondo centro per gli italiani Atlas Pain: Tales Of A Pathfinder (Scarlet Records) è la naturale prosecuzione di quanto fatto con il debutto What The Oak Left, spostando l’asticella ancora più in alto, con coraggio e determinazione. Tra giri del mondo, steampunk e verdure da mangiare, la chiacchierata con i ragazzi lombardi è da leggere tutto d’un fiato!

Due anni fa avete esordito con What The Oak Left. Ora tornate sul mercato, sempre con Scarlet Records, con il nuovo Tales Of A Pathfinder: cosa è successo tra i due album? Quali sono i ricordi più belli di quello che avete vissuto dopo la pubblicazione del debutto? E quali sono state le cose che vi hanno fatto crescere come musicisti e come gruppo?

Due anni che sono davvero volati, te lo posso assicurare! What The Oak Left ci ha portato nel tempo una serie innumerevole di sorprese, a partire dalla grande accoglienza del pubblico fino all’opportunità di poter portare la nostra musica fuori dai confini italiani e questa cosa ci ha dato la giusta carica per mettere tutto noi stessi nel lancio del secondo album Tales Of A Pathfinder. La gioia è indubbiamente tanta, sicuramente non potevamo chiedere di più.

Tales Of A Pathfinder è un concept album e la storia mi sembra essere molto originale e diversa da tutto quello che c’è in giro. Non avendo ricevuto i testi, mi parlate nel dettaglio della storia?

I temi trattati da Tales Of A Pathfinder sono frutto di un’evoluzione stilistica che ha fondato le radici a partire dal nostro debut. L’idea infatti di poter sviluppare un concept prendendo spunto direttamente dalla sottocultura steampunk è un qualcosa che abbiamo ponderato ed elaborato nel tempo. Ne è nato così Tales Of A Pathfinder, un racconto a cavallo fra fantasy e veridicità storica. Possiamo identificarlo, diciamo, come una sorta di nostra interpretazione personale de Il Giro Del Mondo in 80 Giorni di Verne, nel quale noi prendiamo le redini del viaggio e accompagniamo l’ascoltatore in diverse tappe geografiche del nostro mondo, ogni volta con l’obiettivo di trarre una morale ed un insegnamento dalla cultura propria del paese interessato. Quest’idea ci ha permesso di poter spaziare a 360 gradi nei confronti delle tematiche affrontate, sempre ovviamente dando modo al classico timbro musicale proprio degli Atlas Pain di poter condurre la storia.

Potrà esserci un “futuro” diverso dalla musica per questo concept, che so, un fumetto o un libro?

Guarda, la vedo davvero difficile. Come detto precedentemente è un concept che trae forte ispirazione da opere letterarie già famose, trasformandole e facendole nostre con leggende e storie tradizionali appartenenti alle culture più disparate, il tutto condito ovviamente dalla nostra musica. Trasporre questa formula in qualcosa al di fuori della musica stessa sarebbe come cercare di replicare l’irreplicabile. Giochiamo nel nostro territorio in completa sicurezza, ah ah ah!

Turisas + Equilibrium + una forte dose di personalità. Rende l’idea di quello che è il suono degli Atlas Pain?

Direi che hai fatto centro. Ognuno di noi all’interno del gruppo ha un proprio background musicale, per certi aspetti completamente differente l’uno dall’altro. Ma posso assicurarti che è proprio grazie all’amor comune per il pagan metal che gli Atlas Pain riescono a portare avanti il proprio sound. Le contaminazioni sono molte ma sicuramente hai citato due fra le band più rappresentative del nostro stile. Prima di essere musicisti siamo fan della musica che ascoltiamo, ed è proprio questo il motore che ci spinge a rielaborare le nostre idee e a spronarci nel comporre musica che davvero viene dal cuore, senza compromessi.

La copertina è di grande impatto e ricca di dettagli. Rappresenta forse tutti i veicoli utilizzati nella storia per compiere il giro del mondo? Potendo scegliere, quale mezzo usereste come coreografia dei vostri concerti?

La storia che narriamo all’interno di Tales Of A Pathfinder è molto ariosa e priva di dettagli tecnici, abbiamo preferito dare un’infarinatura che potesse portare la critica e il pubblico ad identificarlo come concept album, ma al di fuori di questa linea comune non vi è una vera e propria descrizione dell’avventura in sé. Sicuro la copertina aiuta l’ascoltatore ad immaginarsi un proprio viaggio e, considerando il setting di tardo Ottocento, è abbastanza obbligato che la scelta ricada poi sui mezzi rappresentati nella copertina, quindi in parte potrei risponderti di sì. Per quanto riguarda la coreografia, cavolo, si viaggia con l’immaginazione! Il giorno in cui potremmo permetterci di salire sul palco anche solo con una bicicletta sarà un gran giorno!

Per la copertina vi siete avvalsi della mano di Jan “Orkki” Yrlund, un nome che non ha bisogno di presentazioni. Come sono stati i contatti con lui (email o telefonici) e come siete arrivati al risultato finale?

È la seconda volta che abbiamo il piacere di lavorare con Jan e anche per questo nostro lavoro non possiamo che esserne felici. Bastano sempre poche parole, una descrizione della nostra musica, dei brevi messaggi sui social e poi lui subito se ne esce con il concept grafico già fatto e finito, centrando sempre l’obiettivo. È un tipo easy, con un calendario serratissimo (considerando anche i colossi del metal con cui si ritrova a lavorare). Basta aver pazienza, perché molte volte con lui è ‘buona la prima’.

L’aspetto estetico è per voi molto importante e il “cambiamento” dai primi Atlas Pain a quelli odierni è cosa da non poco conto. Come siete arrivati a questo punto, perché ci siete arrivati e avete mai avuto “paura” nel farlo?

Esattamente. L’outfit che noi portiamo sul palco fa parte di un incastro di ragionamenti ponderati nel tempo e sempre funzionali alla nostra proposta, partendo dalla musica, fino alla scenografia dei nostri concerti. Indubbiamente, anche a livello visivo, gli Atlas Pain hanno completamente stravolto il proprio aspetto nel tempo, passando da uno stile prettamente canonico e abbracciando anno dopo anno sempre di più l’immaginario steampunk. È una scelta molto più vicina alle nostre corde, considerando anche l’impronta pesantemente ‘bombastic’ (concedimi il termine) della nostra proposta musicale. Paura non ce n’è mai stata, ma curiosità sempre tanta. Noi sai mai come il pubblico possa accogliere determinati cambi di rotta, anche se minimi e molte volte totalmente ininfluenti, musicalmente parlando. Siamo in ogni caso sicuri che, soprattutto in questi ultimi anni, il pubblico sia sempre di più abituato a produzioni d’impatto, dove anche l’occhio vuole la propria parte. Noi cerchiamo sicuramente di fare del nostro in tal senso.

Lo steampunk sembra essere un mondo molto lontano da quello heavy metal, voi invece siete riusciti ad unire questi due aspetti/filosofie in maniera naturale e convincente. Sono curioso di sapere a chi è venuta l’idea e come vi siete approcciati a questo nuovo e fighissimo mix.

Innanzitutto ti ringrazio per i complimenti! L’idea è partita dall’esigenza di staccarci dalla canonica idea di outfit, a volte fin troppo abusata nel genere. Volevamo provare a portare qualcosa di nuovo e sufficientemente fresco, sempre cercando di rimanere fedeli all’impronta cinematografica propria del nostro stile. Sicuramente lo scenario steampunk ci ha aiutato in tal senso, definendo già di per sé uno stile che si presta ad essere molto teatrale e d’impatto, lasciandoci tra l’altro molta libertà nello sviluppo tematico delle canzoni, potendo parlare di tradizione così come di tematiche fantasy.

La letteratura ha in qualche maniera influenzato gli Atlas Pain?

Senza dubbio, in particolare per questo ultimo lavoro, per i motivi sopra citati. La nostra fortuna si basa nel poter spaziare a 360° fra diverse tematiche, dandoci sempre totale libertà artistica, e questo ci permette di attingere da diverse fonti d’ispirazione, partendo dalla letteratura, passando per arte visiva e, perché no, anche per la filosofia. Oltre a tenerci svincolati da qualunque paletto tematico (come molte volte il genere richiede) questo ci da la possibilità di poter sviluppare inoltre storie sempre e solo partendo da ciò che in quel determinato momento ci sentiamo di scrivere.

What The Oak Left si può considerare come un biglietto da visita, Tales Of A Pathfinder è la conferma della vostra bravura, cosa rappresenterà, invece, il prossimo disco?

Chi lo sa? Ogni disco per noi è sempre una scommessa. Quello che posso assicurarti è che Tales Of A Pathfinder ha rafforzato ancora di più il nostro sound e ha tracciato un percorso stilistico che permette anche agli ascoltatori di poter immaginare fin da subito ciò che in futuro possiamo proporre. Per quanto invece riguarda il mood dei prossimi lavori, sicuramente è troppo presto per poterti dare indizi, ma ‘catchy’ sarà in ogni caso la parola chiave.

C’è stato un momento in particolare durante il quale vi siete guardati negli occhi e vi siete detti “sì, stiamo sulla strada giusta”?

Purtroppo questa è una domanda troppo difficile per poterti dare una risposta secca. Sicuramente i risultati che stiamo ottenendo sono il perfetto carburante per poterci spingere ogni volta a dare di più. Questo vale sia per l’accoglienza da parte di pubblico e critica dei nostri lavori in studio, che per la risposta dei fan durante i nostri concerti. La soddisfazione più grande, tra l’altro, è notare come, nonostante le lunghe distanze, la nostra musica venga apprezzata da gente di tutto il mondo: quando scendi dal palco di qualche festival europeo ed arrivano apprezzamenti su musica e performance è sempre una gran gioia. Finché questo accadrà noi saremo sempre in prima linea!

Vi ringrazio per la chiacchierata. Vi seguo fin dal primo demo e sono molto contento per voi perché con un suono personale siete riusciti ad arrivare a un’etichetta importante e soprattutto a pubblicare dischi di qualità. A voi le ultime parole dell’intervista!

Grazie a voi dello spazio e del tempo dedicatoci. Cerchiamo sempre di andare avanti a testa dura, guardando a ciò che abbiamo fatto e, step by step, puntare sempre al gradino successivo. Ascoltate buona musica, mangiate verdure e fate sport. Mi raccomando!

Árstíðir Lífsins – Saga á tveim tungum I: Vápn ok viðr

Árstíðir Lífsins – Saga á tveim tungum I: Vápn ok viðr

2019 – full-length – Ván Records

VOTO: 9 – Recensore: Mr. Folk

Formazione: Marsél: voce – Stefán: chitarra, basso, cori – 
Árni: batteria, viola, violoncello, organo, cori

Tracklist: 1. Fornjóts synir ljótir at Haddingja lands lynláðum – 2. Sundvǫrpuðir ok áraþytr 
- 3. Morðbál á flugi ok klofin mundriða hjól – 4. Líf á milli hveinandi bloðkerta 5. Stǫng óð gylld fyr gǫngum ræfi – 6. Siðar heilags brá sólar ljósi – 7. Vandar jǫtunn reisti fiska upp af vǫtnum – 8. Fregit hefk satt – 9. Haldi oss frá eldi, eilífr skapa deilir

Se si parla di un gruppo che ha sempre realizzato grandi dischi, intensi e personali, senza mai raggiungere lo status di grande band, allora si parla degli Árstíðir Lífsins. La formazione islandese/tedesca ha all’attivo quattro full-length e due EP che definire belli è poco: musica e testi sono sviluppati in maniera molto intelligente e approfondita, la ricerca e la cura dei dettagli è meticolosa e, soprattutto, i musicisti sono capaci di regalare all’ascoltatore delle emozioni incredibili con le famose sette note musicali. Un gruppo, gli Árstíðir Lífsins, che ha sempre dato grande attenzione al “prodotto” album, rendendo l’esperienza dell’ascolto completa: i booklet più interessanti  e ben fatti sono sempre i loro. E per fare tutto ciò un gruppo ha bisogno di essere sostenuto da un’etichetta che non sia come (quasi) tutte le altre, che cerchi cioè di accaparrare più denaro possibile, ma che creda al 100% nelle qualità dell’artista e lo supporti nella migliore maniera possibile. La Ván Records ha il merito di aver creduto in un progetto tutt’altro che semplice e che per poter rendere al meglio ha bisogno di tutta la libertà necessaria. In questo modo Árstíðir Lífsins e Ván Records hanno fatto il bene l’un dell’altro e se dopo undici anni dalla fondazione del gruppo siamo qui a parlare dell’ennesimo grande disco del trio nordico, è perché dietro a nomi e società ci sono delle persone che ancora oggi, nel 2019, fanno le cose con il cuore, dirette a chi nella musica cerca passione e bravura.

Saga á tveim tungum I: Vápn ok viðr è il disco più pesante realizzato da Marcel Dreckmann (voce anche degli altrettanto bravi Helrunar) e soci, con la componente black metal molto in vista, ma la musica degli Árstíðir Lífsins è in linea di massima sempre quella che li ha contraddistinti fin dal debutto del 2010 Jotunheima Dolgferð: metal estremo e sonorità ambient folk si amalgamano con una naturalezza divina, una capacità, questa degli Árstíðir Lífsins, che in pochissimi possono vantare. Saga á tveim tungum I: Vápn ok viðr diventa così non solo un “semplice” ascolto, ma un vero e proprio viaggio nella storia di Olafr Helgi Haraldsson, re norvegese di inizio XI secolo, il quale cercò di cristianizzare la Norvegia dopo essersi autoproclamato re. I testi sono rigorosamente in antico islandese e la parola che meglio descrive l’esperienza d’ascolto è “ritualistica”. Quella degli Árstíðir Lífsins non è solo musica, ma un’esperienza totale che va oltre le canzoni, capace di scavare dei solchi profondi nell’anima di chi li ascolta, rendendoli schiavi e veneranti al tempo stesso.

L’opener Fornjóts synir ljótir at Haddingja lands lynláðum è ferale, asciutta e affilata come una lama che trapassa la carne, esattamente come la terza traccia Morðbál á flugi ok klofin mundriða hjól, black metal tout court. Nel mezzo, e qui la cosa si fa interessante, c’è la semi acustica Sundvǫrpuðir ok áraþytr: le onde del mare in sottofondo sembrano portare via la violenza delle canzoni vicine, lasciando un senso di vuoto e di inferiorità rispetto alla natura che fa venire il mal di stomaco. I cori possenti e profondi, con l’ingresso degli strumenti elettrici, guidano l’ascolto come un vecchio marinaio fa con la barca in porto, prima di sfumare lentamente nel vento che soffia forte. È questa capacità di alternare e unire elementi estremi con altri folk ambient che rende gli Árstíðir Lífsins unici nel panorama odierno, e la successiva Líf á milli hveinandi bloðkerta conferma tutto ciò in dieci minuti di intenso black metal che si lascia conquistare e trasformare da una serie di suoni che rendono la canzone il perfetto esempio di quel che i tre musicisti sono in grado di fare. Uno schema vincente che si ripete più volte, fino alla conclusiva Haldi oss frá eldi, eilífr skapa deilir, una traccia da quindici minuti che è un vero e proprio viaggio nelle terre del nord e nella storia che le hanno caratterizzate.

Prima parte di un concept che vedrà la pubblicazione della seconda e ultima sul finire del 2019, Saga á tveim tungum I: Vápn ok viðr è un meraviglioso album che travalica i generi e gli stili, con un suono che è pulito ma lontano anni luci dalle super produzioni plasticose in voga negli ultimi anni (grande, a tal proposito, il lavoro in studio di Markus Stock degli Empyrium e The Vision Bleak, già al lavoro con Alcest, Secrets Of The Moon e Dornenreich tra gli altri). In carriera gli Árstíðir Lífsins non hanno sbagliato nulla e questo nuovo lavoro non fa eccezione: da avere assolutamente.

Intervista: Arkona

Arrivo al Traffic Live per la fine del soundcheck degli Arkona, li lascio cenare con calma e alla prima occasione “invado” il backstage per intervistare i due leader del gruppo russo, ovvero la cantante Masha “Scream” e il chitarrista Sergey “Lazar”: la prima ha da subito dimostrato un gran desiderio di parlare e si è lanciata in sorrisi e risate, mentre il marito è stato più riservato e taciturno. L’intervista si è svolta in lingua russa per dare modo ai musicisti di esprimersi al meglio (in passato, in tal senso, ci sono stati dei problemi, mentre ora Masha parla un inglese fluente). Il traduttore istantaneo – e che ha poi trascritto l’intera chiacchierata – è stato Anton dei Blodiga Skald, al quale va un grandissimo ringraziamento.

Potete vedere leggere il report e vedere le foto e i video della serata Arkona + Blodiga Skald QUI.

Avete iniziato da poco questo tour e siete per la prima volta a Roma. L’album Khram però è uscito lo scorso anno…

Masha: beh il tour va bene, come dire, questo è anche abbastanza piccolo, abbiamo circa cinque date sole (nel senso che cinque sono da headliner, le altre in festival, ndMF), ci sentiamo bene, la partenza è buona. Per adesso abbiamo avuto solo un concerto quindi ancora non ne risentiamo la stanchezza. Ma comunque tutto sta andando benissimo, sono molto felice di essere a Roma. Una citta bellissima, siamo stati in diversi luoghi e ho anche postato le foto su Instagram. Per quello che riguarda l’album, la setlist dei concerti include anche canzoni precedenti, facciamo la scaletta anche in base all’esigenze delle persone.

Lazar: l’album ha ormai più di un anno, quindi visto che un album nuovo non ne abbiamo, facciamo date in città che non abbiamo ancora visitato, ma se risuoniamo per la seconda volta in qualche posto, allora proponiamo anche altre canzoni. Per esempio a Roma è la prima volta, quindi il concerto sarà concentrato sull’ultimo album. Suoniamo già da più di un anno a supporto di quest’album con più di 50 date, e per esempio andremo a breve negli Stati Uniti dove presenteremo una setlist diversa.

Oggi sarà la terza volta che vi vedo in concerto, ma la precedente risale al Fosch Fest di Bergamo nel 2012. Cosa si deve aspettare il pubblico romano dal vostro concerto e quanto siete cambiati in questi anni?

Masha: è una domanda difficile, noi non sappiamo cosa vi potete aspettare da noi, aspetteremo e vedremo.

Lazar: beh dicevi che sono sette anni che non ci vedi in concerto? Diciamo che sette anni fa facevamo una musica un po’ diversa, era più folk metal ora è più black. Anche i nostri abiti di scena sono cambiati un po’.

Negli ultimi due dischi, ma in particolare per Khram, le vostre canzoni sono cambiate per approccio e stile. Da Yav suonate più oscuri…

Masha: beh guarda, lo sai che io scrivo le musiche e i testi delle canzoni, no? E quando lo faccio non ci penso cosa ho ora e come devo fare. Le cose mi vengono e basta, come se qualche forza sovrannaturale mi passi le idee. Quindi non saprei cosa mi ha spinto a fare le canzoni in certi modi. Semplicemente succede. Come se le idee venissero dal cosmo. I testi sono molto diversi, per esempio sono stata in Canada e mi è piaciuta un sacco la natura e una delle canzoni – VLadonyah Bogov – è stata probabilmente influenzata da quella vista. Altri esempi forse sono quando stavamo in tour e avevamo un autista di nome Brook e ci ha fatto ascoltare le sue canzoni, siamo rimasti sbalorditi dal mix di melodie, quindi forse sono stata influenzata anche lì. Quindi non c’è stato niente di preciso che mi ha influenzata.

Alcune canzoni hanno un minutaggio molto importante e per Tseluya Zhizn’ avete oltrepassato i diciassette minuti di durata. Come nascono queste canzoni?

Masha: abbiamo per esempio anche la canzone Moei Zemle per esempio, forse anche altre, non ci ricordiamo bene. Non c’è un motivo per la quale la canzone è cosi lunga. Non mi ci sono messa a decidere dobbiamo avere una canzone di diciassette minuti, succedeva piano piano. Quando scrivo mi chiudo e scrivo finché non finisco, e poi la canzone ha cinque o diciassette minuti, non me ne accorgo finché non l’ho finita. Il testo è molto filosofico, ci sono queste due sorelle in bianco e nero come fossero la vita e morte che girano intorno all’esistenza e si bilanciano una con l’altra.

Anche la copertina riprende il mood della musica. Nasce da una vostra idea?

Masha: Si beh, appena avevamo concluso la creazione del nuovo disco, avevo già in mente la copertina, come immagine intendo, anche l’artista sapevo benissimo che volevo lui perché mi piaceva il suo stile. Gli ho detto bene come sarebbe dovuta essere e con lui era come se fossimo collegati, ha realizzato esattamente quello che volevo io. E sì, era tutto collegato: la copertina con l’atmosfera delle canzoni e anche i video.

Si può ritenere Goi, Rode, Goi l’album che vi ha fatto conoscere al grande pubblico? All’epoca la copertina del disco girava molto tra i vari siti internet e avete iniziato a fare tour più grandi e lunghi.

Masha: difficile rispondere.

Lazar: non è stata una cosa col botto, ma penso che si è creata durate i primi quattro album. Poi con la Napalm Records abbiamo fatto uscire l’album Goi, Rode, Goi per il quale è stata fatta tanta pubblicità, e anche il primo grande tour è partito dopo quell’album e per esempio siamo stati a Bologna. Questo album è stato il nostro picco nel folk metal diciamo cosi, con canzoni come Yariloe altre. Diciamo che è stato l’album più “commerciale” che abbiamo fatto. Ma dire che è grazie a questo album che siamo usciti a livello internazionale, non lo penso.

Masha: beh sì. Se posso aggiungere mi ricordo che quando abbiamo suonato per la prima volta in Europa le persone conoscevano le canzoni, soprattutto quando eravamo nei locali e ci trovavamo la sala piena, per noi era incredibile sapere che persone nel mondo ci conoscevano.

Avete ri-registrato il disco di debutto Vozrozhdenie e il risultato, secondo me, è stato veramente buono. Possiamo aspettarci una cosa del genere anche per Lepta, visto che è un grande album penalizzato dai suoni non all’altezza?

Lazari: beh è successo che eravamo fermi per creare nuovo materiale. Decidemmo di fare un concerto su queste canzoni e non ci piacevano come suonavano alcune canzoni e quindi abbiamo deciso di rifare il disco. Ma non pensiamo di fare nuovamente una cosa simile in futuro.

Masha, se ti dico Hyperborea, cosa mi rispondi?

Masha: non saprei dove iniziare perché questa è una di quelle storie dove servirebbe un intervista solo per questo! Se raccontato breve, abbiamo iniziato come semplici musicisti in un seminterrato nella casa cultura Granit che ormai purtroppo non c’è più, è stato distrutto/demolito, ci ho anche portato i miei figli perché si divertono a scavalcare le rovine. Insomma avevo deciso di formare un mio gruppo, ero ancora giovane, avevo intorno ai diciassette anni mi pare. Il mio primo gruppo mio si chiamava Krovavaia Mary (Bloody Mary), e con questa formazione facevamo della musica pesante, anche se non avevamo ancora un genere ben definito. Poi il nostro batterista Warlock, che aveva una visione musicale più sviluppata degli altri, ha formato la band Hyperborea con me alla voce. Gli Hyperborea sono poi diventati gli Arkona. E le prime canzoni erano proprio Rus e Smitsa vorot i koliada.

Come vi siete avvicinati alla musica? Ci sono dei musicisti che vi hanno ispirato particolarmente?

Lazar: per la prima volta ho preso la chitarra in mano nel 1990. Avevo una gran voglia di suonare il metal, lo ascoltavo e volevo suonarlo, ci ho messo tre anni a decidermi, e poi ho fatto come tutti, ho preso una chitarra elettrica e ho iniziato a suonare su canzoni dei Metallica per fare un nome. I miti non saprei perché ce ne sono troppi. Uno potrebbe essere Paul Gilbert anche se non fa proprio metal, ma ha comunque uno stile impeccabile. Paul Gilbert per la tecnica e Chuck Shouldiner per le canzoni.

Masha: sono stata influenzata dalla musica fin dalla tenera età. Per esempio avevo tre anni quando composi la mia prima canzone. Ancora non sapevo parlare ma avevo già scritto una canzone (ride, ndMF)! Poi ci sono state varie scuole musicali e ho provato vari strumenti. Non andavo benissimo con la teoria. Ci sono state varie situazioni personali che mi han influenzata. La prima band in cui sono mai entrata si chiamava Slavery, il genere era tipo di power metal. Li ho mollati perché non mi permettevano di comporre e non volevano utilizzare le mie canzoni. E poi i ragazzi dei Krovavaia Mey (Bloody Mary) mi hanno portata al mio primo concerto metal: avevo tanta paura, pensavo fossero tutti drogati lì!!! Gridavo “MI UCCIDERANNO!!!” (ride di cuore, ndMF). La prima formazione che sentii si chiamava M.O.R., un gruppo molto black. Poi sono stata anche ad altri concerti con i ragazzi dei Krovavaia Mary dove mi hanno fatto il corpse paint. Stavo lì e non capivo nulla! Con i Krovavaia Mary ho iniziato a fare lo scream: una sensazione divertente perché io gridavo e tutti mi fomentavano.

Masha, sul web girano delle canzoni acustiche risalenti a tanti anni fa e riportano il tuo nome. Sono vere? Di cosa si tratta esattamente?

Masha: sono le mie canzoni che non sono state suonate dagli Slavery per i quali erano state composte. Canzoni che ho composto dai 13 ai 17 anni. Mi mettevo davanti al registratore e registravo, ci facevo le cassette.

Conoscete qualche gruppo italiano folk metal?

Lazar: di solito incontriamo gruppi di altri generi, per esempio con i Fleshgod Appcalypse ci incontriamo spesso e sono amici nostri, David Folchitto (il batterista della band, ndMF) è un nostro carissimo amico. Anche con i Soundstorm. Per quanto riguarda il folk metal di italiani non ne conosciamo. Per esempio sappiamo che suoneremo con i Wind Rose, ma non li abbiamo ancora ascoltati (ci suoneranno a breve nel tour americano, ndMF). Di italiano classico conosciamo per esempio Sadist e Bulldozer.

Per concludere ti chiedo se stai componendo delle nuove canzoni.

Masha: e sì, per esempio ho già salvato alcune idee sul tablet, sto già a due canzoni e mezzo. Io non sto ferma, lavoro ogni volta che ho idee. Può succedere dappertutto. Per esempio sto in questa cosa tutta distrutta (si riferisce al backstage del Traffic, ndMF) e una volta tornata a casa trascrivo tutte le idee che potrei avere in tour.

 

Tuatha De Danann – The Tribes Of Witching Souls

Tuatha De Danann – The Tribes Of Witching Souls

2019 – EP – Heavy Metal Rock

VOTO: 7,5 – recensore: Mr. Folk

Formazione: Bruno Maia: voce, chitarra, flauto, mandolino, banjo, bouzouki – Giovani Gomes: basso – Edgard Britto: tastiera

Tracklist: 1. The Tribes Of Witching Souls – 2. Turn – 3. Warrior Queen – 4. Your Wall Shall Fall – 5. Conjura – 6. Outcry (acoustic version) – 7. Tan Ping Ra Ta (orchestral version)

Come abbiamo visto in questi anni di Mister Folk, la musica folk metal non è un affare che riguarda esclusivamente l’Europa: Mongolia, Australia, Canada e Sud Africa hanno – chi più e chi meno – esponenti in questo genere musicale. Il Brasile non è certo da meno ed è rappresentato da più gruppi – tutti rigorosamente underground –, dei quali di sicuro i Tuatha De Danann sono i portabandiera. In attività dal 1995, i musicisti di Varginha hanno pubblicato quattro album e tre EP considerando questo The Tribes Of Witching Souls. Il nome del gruppo, però, è salito alla ribalta negli ultimi anni per la collaborazione su disco – e in concerto quando la band si trova in Europa – con Martin Walkyier, storica voce degli inglesi Skyclad. Ospiti o no, la cosa che conta maggiormente è la musica e negli ultimi tempi, ovvero dopo lo scioglimento del 2012 e successiva reunion, il combo brasiliano ha intrapreso la giusta via, pubblicando Dawn Of The New Sin e Tuatha De Danann rispettivamente nel 2015 e 2016, apportando significative novità nel sound.

The Tribes Of Witching Souls è un ottimo esempio di quello che i Tuatha De Danann sono nel 2019: una band che va avanti nonostante le difficoltà (l’addio dello storico batterista, sostituito per questa release da Fabricio Altino) e ancora capace di centrare il bersaglio con delle canzoni dirette e stilisticamente varie. Tanti gli ospiti, i più noti sono senz’altro il già citato Walkyier, Dave Briggs dei nord irlandesi Waylander, Fernanda Lira della thrash metal band Nervosa e Daisa Munhoz dei power metallers Vandroya; ognuno di questi musicisti ha portato qualcosa di concreto alla musica e la loro partecipazione è più che apprezzabile.

L’opener The Tribes Of Witching Souls ci proietta in un mondo fantasy e celtico per sonorità e stile, una canzone che centra il bersaglio al primo colpo, esempio lampante della bravura dei Tuatha De Danann: folk metal pulito e melodico, con il cantato di Bruno Maia che spicca il volo nel ritornello. Sono però le parti di musica tradizionale a dare la classica spinta in più, nelle quali i musicisti versano fino all’ultima goccia di sangue in corpo. La successiva Turn risalta per il chorus che entra subito in testa, oltre a una buona scrittura che in maniera equilibrata porta una sorta di power ballad ad essere una canzone completa sotto ogni aspetto, dando sempre la giusta importanza agli strumenti folk e in particolare alla cornamusa dell’ospite Alex Navar. Nella terza traccia, Warrior Queen, sono ben tre gli ospiti: la Munhoz ha l’onore di cantare, con il già menzionato Briggs e Rafael Salobreña a divertirsi con il bodhran in un contesto molto irlandese e frizzante. In Your Wall Shall Fall troviamo Walkyier al microfono e forse non è un caso che la canzone suoni come quelle degli Skyclad di metà anni ’90: semplice e immediata, dalle melodie vincenti sulla base delle chitarre più graffianti dell’intero EP. Conjura è un bel pezzo abbastanza tirato, ma comunque in linea con lo stile dei Tuatha De Danann: non manca la melodia, non mancano gli strumenti tradizionali a impreziosire il gustoso lavoro della chitarra e, soprattutto, non mancano le idee buone. Cinque brani nuovi e cinque belle canzoni; The Tribes Of Witching Souls termina con due ri-registrazioni di vecchi pezzi della band, ovvero Outcry in versione acustica e Tan Ping Ra Ta, quest’ultima che vede la partecipazione di Fernanda Lira delle Nervosa, qui a sorpresa alle prese con la voce pulita e melodica, brava ad adeguarsi alla delicatezza della composizione.

I trentuno minuti dell’EP sono assolutamente gradevoli e le canzoni in esso contenuto confermano la bravura del gruppo brasiliano; il gran numero di ospiti è un fatto curioso ma giustificato dai loro interventi. A ciò si deve aggiungere la mano di Brendan Duffey (Angra, Nervosa, Lothloryen) per quel che riguarda il mix e il mastering, di gran qualità. EP consigliato a chi cerca una mezz’ora di buon folk metal di stampo celtico e buon biglietto da visita per invogliare a scoprire i lavori precedenti.